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A bittersweet life es el nuevo film del director
de A tale of two sisters (titulada como
Dos hermanas en España) y que supone un brusco cambio de registro
con respecto a esta película. De una historia de terror, Kim Ji-woon
pasa a un relato de ambiente mafioso. Aquí, Sun-woo es un matón,
el hombre de confianza de un importante jefe mafioso, el cual le encarga
que vigile a su joven novia, de quien sospecha que le engaña.
Tras descubrir que esto es así, Sun-woo se ve incapaz de acabar
con la vida de la pareja, lo que le traerá una serie de sangrientas
y fatales consecuencias. Como se puede comprobar a partir de esta breve
sinopsis, el guión no destaca precisamente por su originalidad.
Sin embargo, lo que hace destacable a esta película y la salva
de la mediocridad y la previsibilidad más abolutas es su perfecta
realización,
donde hasta el último de los planos está cuidado, medido
y ajustado; con la duración, la colocación y un movimiento
de la cámara perfectos. Donde
la fotografía está también cuidada al máximo
y donde destaca asimismo el
carisma y la interpretación de su actor protagonista, Byung-hun
Lee, presente en casi la totalidad de los planos del film. A resaltar
en la película son los toques de humor negro y ese final reminiscente
del cine de Hong Kong, con una ensalada de tiros muy deudora del estilo
de John Woo. También, pese a que el argumento no sea excesivamente
original, es de agradecer que el director y guionista trate de escapar
de las tópicas
situaciones amorosas de este tipo de historias y se evite el típico
romance entre el protagonista y la chica a la que tiene que vigilar.
De hecho, uno de los puntos más interesantes de la historia es
la psicología de
su personaje central, hábil pistolero y luchador, pero torpe a
la hora de relacionarse con mujeres. Será el contacto con
la chica de su jefe lo que le perturbe y desate sus consiguientes reacciones,
muy a pesar de que él sea consciente de que la relación
con esa chica nunca llegará a consumarse. |
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Ab-normal beauty es una de esas películas realizada por
alguno de los hermanos Pang como, parece, descanso de ellos mismos entre
película y película. En esta ocasión el descanso vino tras la filmación
de la segunda parte de The eye y la mitad de la pareja, encargada de
la película, fue Oxide Pang. Ubicada la acción esta vez en Hong Kong
(ya que los hermanos suelen trabajar a medio camino entre la ex-colonia
y su Tailandia natal), el guión narra la historia de una chica, fotógrafa,
que comienza a sentir una morbosa atracción por la muerte
y por sacar fotos de temática sangrienta. Su pareja, otra chica, tratará de
hacerle salir de su progresivo deterioro psíquico, al mismo tiempo que
un compañero
de estudios irá tras ella tratando de tirarle los tejos. Ésta sinopsis
se puede considerar la primera parte de la película, en la que se nos
narra de modo moderadamente convincente la paulatina obsesión de la chica
protagonista por las fotos macabras y por la muerte y cómo finalmente
consigue salir de su delicado estado mental gracias al apoyo de su pareja
(curioso el modo tan discreto y tan tímido de mostrar la relación lésbica
entre las dos protagonistas) A partir de aquí el rumbo de la película
cambia y lo que se podía considerar como un drama de trasfondo un tanto
morboso se convierte en un thriller terrorífico desde el momento en que
la fotógrafa
comienza a recibir una serie de cintas de vídeo con asesinatos reales
de personas cercanas a su entorno. El tema de las cintas snuff ya fue
tratado con mayor fortuna por Alejandro Amenábar en Tesis. Aquí no se
busca el máximo realismo ni la crudeza en los vídeos ya que la efectista
realización de Oxide Pang produce un inevitable distanciamiento respecto
a las imágenes mostradas. Es en esta segunda mitad cuando la película
echa a perder todo lo poco bueno que hasta el momento había ofrecido
ya que lo que se nos cuenta resulta una intriga de lo más absurda y tonta
y con una resolución final que más que sorprendente resulta una auténtica
tomadura de pelo al espectador. La sensación final es la de haber presenciado
un film realmente mediocre que no se decanta ni entre el drama ni entre
el terror y que, cuando se adentra en esta última parcela, fracasa estrepitosamente.
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Circulan varias versiones de Agitator, de diferente duración
cada una de ellas; de 1h. 45 minutos, de dos horas y media y de 200
minutos. La que yo he tenido oportunidad de ver corresponde a la de dos
horas y media, extensión
suficiente para poder extraer una opinión justificada acerca de
ella. En este caso nos encontramos (de nuevo en el caso de Miike) con
una historia de yakuzas; tal vez la de hilo argumental más ambicioso
de las que ha rodado el director en cuanto a la variedad de personajes,
historias y subtramas. Un guión formado por una compleja red
de alianzas entre clanes mafiosos, asesinatos y traiciones y el yakuza
que se rebela frente al resto, ante una situación que considera
injusta (idea también frecuente
en las películas de yakuzas de Miike) El director firma aquí una
de sus películas de realización más clásica,
dejando de lado sus habituales desfases, así como cualquier exceso
de estilismo visual. También se muestra
más contenido en la plasmación de las escenas violentas,
pese a todo inevitables en una historia de yakuzas de este tipo, hasta
el punto de ofrecer algún
asesinato fuera de plano. Resulta destacable que, a pesar de la elevada
cantidad de personajes y situaciones, todo queda claro en todo momento
y la historia es perfectamente entendible, la cual, a pesar de las dos
horas y media de duración, en ningún momento se hace
pesada y resulta adecuada para conocer a fondo la psicología de
sus personajes (a destacar la relación entre el protagonista y
su superior, también amigo). En definitiva, una de las perlículas
más
interesantes de Takashi Miike que demuestra su dominio en la narración
y que no necesita recurrir a sus habituales excesos, que tantos fans
le han proporcionado en occidente, para construir una buena película. |
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Kitamura sorprendió a propios y extraños
con Versus, su primera película, una historia delirante con zombies,
tiros, peleas a espada, gangsters y demás. Parece que después
de los excesos de su ópera
primera, Kitamura prefirió en sus dos siguientes películas
(Alive y esta Aragami) contar historias más centradas en unos
pocos personajes y en
único espacio cerrado. En Aragami, un samurai es recogido y curado
en un templo. Tras la recuperación, el samurai y su anfitrión,
dedican una larga noche a hablar, charla durante la cual el guerrero
descubrirá el
terrible secreto del hombre que le ha acogido. Floja película
la que nos presenta en esta ocasión Kitamura. Una historia que
no es más que
una anécdota, que se estira y se estira, a pesar de que el guión
no da más que para
un medio o un cortometraje. La película es corta, no llega a los
80 minutos, pero aún así aburre y durante la
conversación de los dos
protagonistas hasta la llegada del enfrentamiento final, no se puede
evitar la sensación constante de corto alargado con
más y más
diálogos. Y el combate final cuando llega tampoco compensa la
espera hasta este momento. Aparentemente, esta película formaba
parte de un doblete de películas con el asunto del duelo como
tema central. La otra, de título 2LDK y que no conozco, parece
que no goza de críticas mucho mejores a las de ésta... |
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Azumi era un manga de Yu Koyama que en 2003 conoció una
adaptación fílmica de manos de Ryuhei Kitamura. Azumi,
la película era
una especie de historia de samurais para un público juvenil (ambientación
en el Japón feudal, escaso propósito realista), con un
inevitable aire manga y con el único objetivo de ofrecer un
entretenimiento espectacular sin mayores pretensiones. El éxito
de la propuesta ha generado dos años
después
la esperable continuación manteniendo el reparto (con Aya Ueto
al frente en el papel protagonista) y el tono de la entrega anterior,
aunque con un relevo en la dirección
a cargo del veterano Shusuke Kaneko. Como suele suceder y apelando al
tópico, las segundas partes no suelen estar a la altura de su
precedente y eso mismo sucede con esta Azumi 2. Al director, el impersonal
Shusuke Kaneko (curtido en películas
de Gamera y demás kaiju eiga), le falta el estilo visual adrenalítico
y la cámara frenética de su predecesor Kitamura. Pierde
además el film el tono de acción non-stop de la anterior
(se nota que el presupuesto no ha sido tan holgado) y aunque no escasean
las escenas de acción, se echa en falta un
algo más para redondear el producto (como en ese combate final
súbitamente
interrumpido) y la menor duración da también la sensación
de una menor ambición en lo
que se cuenta. Pese a todo esto, la película entretiene, es correcta
y seguramente gustará a los fans de la primera parte o a quien
busque un sencillo entretenimiento sin más objetivo. Como curiosidad,
destacar la presencia en el reparto de Chiaki Kuriyama, la sádica
Gogo Yubari de Kill Bill vol. 1. |
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Aunque no destaca precisamente por su calidad, es ésta
una de esas películas ideales para ver entre amigos en un sano
ambiente de cachondeo. En ella se nos cuentan los avatares de un equipo
de beisbol de un instituto que, en el campeonato en el que está tomando
parte, les toca competir contra el instituto más duro de pelar
de todos, en el que los jugadores gastan un look a medio camino entre
militar y zombie (con piel azulada incluida) y que, en enfrentamientos
anteriores, el partido había
acabado, literalmente, como un campo de batalla (con cabezas empaladas
repartidas por el césped).
La única posibilidad de victoria pasa por la participación
de Jubei (Tak Sakaguchi), un estudiante recién llegado al instituto
y tremendamente habilidoso en la "lucha
al beisbol". |
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Tras el éxito de Ong Bak, parece que el cine de
acción
tailandés vive un especial momento dorado, lo que se traduce en
la aparición
de nuevos productos en la línea como este Born to fight. Ong Bak,
sin ser un derroche de realización o guión, sí sorprendía
por los realistas y brutales combates y por las proezas de su protagonista,
Tony Jaa. Aquí, por desgracia, las peleas no están a la
altura y el protagonista elegido no tiene ni el carisma ni la habilidad
de su compatriota (aunque sí la
misma inexpresividad y el número de diálogos). El argumento
sí que
sorprende pero no por su complejidad o ingenio sino por todo lo contrario;
el guión
(acerca de un poblado secuestrado por unos terroristas cuyos habitantes
se revelan contra sus secuestradores) es de lo más simple y básico
visto en mucho tiempo, tanto que, ciertamente, podría haber sido
escrito por un niño
de doce años. Y eso que no empieza mal la historia con un tópico
prólogo en que el protagonista pierde a su compañero en
una operación
policial, que cuenta con unos efectivos tiroteos muy "johnwooianos" y
una espectacular persecución de camiones, pero a partir de cuando
la acción se ubica en el
poblado todo se echa a perder. Desde unos villanos que masacran a todo
lo que se mueve sin criterio alguno, hasta las escenas de acción
protagonizadas por deportistas, cada uno luchando según su modalidad,
que no rozan sino caen en el ridículo más absoluto, entrando
de verdad en la comedia involuntaria. Además,
la película cuenta con una factura visual que semeja a los productos
de acción de serie B de los años 80, detalle que tendrán
que cuidar producciones tailandesas posteriores de cara a la exportación
a occidente. Película muy, muy floja que decepcionará inevitablemente
a aquellos que se esperen un nuevo Ong Bak o simplemente a todo aquel
que busque un correcto film de acción. Como curiosidad, los créditos
finales en que se ven tomas falsas y escenas con los especialistas y
en los que comprobamos cómo verdaderamente esta gente pone su
integridad física
en peligro y arriesgan el pellejo más de lo que parecería
razonable para cualquier persona de este campo. |
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Arranca la película con un esforzado plano secuencia
de varios minutos que pretende cubrir una operación policial en
un callejón (y que desde mi punto de vista, solo resulta efectiva
a medias). A continuación la acción se traslada a un bloque
de edificios donde los ladrones anteriores se han refugiado y que queda
cercado por la policía. Ésta trata de aprovechar el dispositivo
que se monta para llamar a los medios de comunicación, darles
la información de lo que sucede y tratar de limpiar así su
imagen de cara al público
(con lo que se pretende ofrecer de paso una crítica algo vista
ya de lo manipulador de los informativos ante los espectadores). Especie
de ejercicio de estilo de su director, que centra toda la acción
practicamente en un único escenario y acude a recursos como
la pantalla partida para narrar hechos simultáneos junto al ya
comentado plano secuencia del inicio (parecería que el director
quisiera emular a Brian dePalma) Discreta película de acción,
con discretas también
escenas de acción
que no llega a interesar especialmente en ningún momento y a la
que no ayudan tampoco escenas un tanto ridículas como la del policía
obstinado que persigue en moto y a tiro limpio al autobús donde
va el ladrón y su rehén. |
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Shinya Tsukamoto sorprendió hace ya más
de 15 años con
su primera película, Tetsuo, rodada en blanco y negro, con escaso
presupuesto y que fue considerado como un híbrido entre los mundos
de David Cronenberg, David Lynch y la estética cyberpunk. Se realizó
una segunda parte y desde entonces Tsukamoto no ha vuelto a alcanzar
el impacto de su primer film. Hiruko the goblin (una floja película
de terror pre-The ring) y Tokyo Fist (un drama sobre el boxeo) vinieron
a continuación, siendo seguidas por esta Bullet
Ballet, de 1998. Aquí se nos cuenta la obsesión de un hombre
(interpretado por el propio Tsukamoto) hacia las armas, a raíz
del suicidio de su novia y el encuentro con una banda de punks. Si ya
la segunda parte de Tetsuo o Hiruko nos daban la impresión de
que el primer Tetsuo fue una casualidad afortunada, Bullet Ballet es
la prueba que confirma esta sensación. Rodada en blanco y negro
y con cámara
temblorosa como para darse Tsukamoto aires de "autor", la
hitoria de la obsesión del protagonista por las armas pronto pierde
el rumbo y el guión se convierte en una serie de enfrentamientos
(mal rodados) entre bandas de punks, el protagonista que ayuda a los
punks a defenderse de un pistolero y su fijación por una chica,
que hacen que se pierda el interés por lo que te están
contando a mitad de película, quedando el tema de
la obsesión por las armas totalmente diluido y olvidado. Una película
efectivamente olvidable que, curiosamente, ha sido editada en España
por Filmax. |
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Basada en una olvidada serie de los años 70,
Casshan: Robot hunter (respecto a la cual se realiza un curioso homenaje al
casco del protagonista en un momento del film) y convenientemente puesta
al día, Casshern supone sin duda un antes y un después
para la industria cinematográfica japonesa en cuanto al empleo
de efectos especiales y a fondos generados por ordenador (y predecesora
de la americana Sky Captain) que estoy seguro en el futuro serán
la base de innumerables imitaciones. Con apariencia de superproducción,
pero con un ajustado presupuesto de 6 millones de dólares (exprimidos
hasta el último céntimo, está claro)
Casshern es una de las producciones más apabullantes, visualmente
hablando, de los últimos años y no solo en cuanto a cine
oriental se refiere. Partiendo de uno de los diseños de producción
más espectaculares y sorprendentes
vistos en mucho tiempo, todo, absolutamente todo ha sido cuidado al máximo
y resulta necesario más de un visionado para poder apreciar al
completo la riqueza de los detalles (desde la ambientación futura,
los paisajes, decorados...). Junto a imágenes de bello esteticismo,
nos encontramos con una prodigiosa riqueza cromática donde
hasta el último fotograma ha sido
retocado digitalmente, mostrándonos riquísimas gamas de
colores, texturas e incluso curiosos halos para los protagonistas que
desprenden en diversas ocasiones. La música también ha
sido especialmente cuidada y el compositor Shiro Sagisu consigue intensificar
las imágenes
de un modo excelente con una intensa banda sonora. Las escenas de acción
son sorprendentes, destacando aquella en la que el protagonista se enfrenta
a decenas de robots, sin duda lo más cercano
al anime visto hasta ahora en imagen real. Tanta avalancha visual no
llega a cansar en ningún momento y antes que esto, resulta constantemente
sorprendente. La historia, es de una tensión constante, que te
impide despegarte de la pantalla y el ambiente de irrealidad que desprende
toda la película hace que tomes como naturales ciertos agujeros
del guión
(¿de dónde sale el rayo, cómo encuentran los neo-sapiens
un castillo en el que tienen preparada ya una factoría para producir
robots?) Tal vez el único defecto de todo el conjunto sea el final
excesivamente moralizante y su mensaje obvio (¿acaso no sabemos
todos, lo malas que son las guerras y sus consecuencias?) Pese a este
defecto, la película es un hito, un derroche de imaginación
e inventiva visual de visión obligatoria para cualquier aficionado
al género fantástico,
ya sea éste oriental o no. |
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Es arriesgado hacer una afirmación de este estilo, pero
me atrevería a decir que en la actualidad es la coreana una de las cinematografías
más en forma del mundo y no sólo por la cantidad de filmes producidos,
sino también
por su calidad y por el excelente nivel técnico que éstos exhiben. Crying
fist podría ser un ejemplo de ello. Tras la comercial Arahan el director
Seung-wan Ryoo se embarca en un proyecto mucho más personal, un drama
con trasfondo en el mundo del boxeo. En la película se nos cuenta la
historia de dos personajes, dos perdedores, sin relación entre ellos.
El primero, interpretado por el excelente Choi Min-sik (Old boy) es un
boxeador, cuarentón, antiguo medallista, cuyo matrimonio no funciona
y que para poder sobrevivir se dedica a trabajar en las calles haciendo
de saco de arena humano en el que la gente desfogue sus problemas.
El segundo, interpretado por Jeon Ho-jin (quien ya intervenía en Arahan
y realiza un convincente traspaso de la comedia al drama) es un joven
ratero que acaba en la cárcel, donde es sometido a un programa de rehabilitación
en el que se ve obligado a practicar boxeo. Tras producirse la muerte
de su padre, será dejado en libertad. La película nos narra paralelamente
las duras vidas de estos dos personajes, que encontrarán un punto donde
sus destinos se cruzarán, el campeonato de pesos ligeros de boxeo. El
boxeo es en la actualidad un deporte de capa caída en Corea del Sur,
frente a otras modalidades deportivas como el kickboxing o el taikwondo.
Sin embargo, para estos dos personajes este decadente deporte se convertirá en
su tabla de salvación,
en lo único
que puede rescatarles de una vida que hace aguas por todas partes. Es
de este modo que en el combate final el hecho de ganar se convierte en
algo más que una simple victoria, resulta un triunfo vital, más que para
ellos mismos para sus familiares y para las personas queridas que les
rodean. Un combate, donde no importa quién gane porque al final descubriremos
que ambos han salido vencedores frente a la vida que siempre les había
dado la espalda. Tras haber visto Crying fist nos damos cuenta de que
hemos presenciado una estupenda película,
un excelente drama donde el boxeo no es más que una excusa, un recurso,
la forma de salvación
de los protagonistas, que se plasma en ese tremendamente emotivo y emocionante
final donde todo el peso de la historia que nos han contado se concentra
y provoca que el impacto emocional en el espectador sea mucho mayor.
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Los protagonistas de esta película corren más
que Franka Potente en su Corre, Lola, corre. La historia es simple: tres
personajes se persiguen en una carrera que se alarga durante horas. Primero,
un hombre gris que pretende robar un banco es perseguido por el tendero
de una tienda que le descubre llevándose una mascarilla. Durante
la persecución,
se tropezarán (en el sentido literal) con un joven yakuza quien,
enrabietado, se lanza a la persecución del tendero. Durante la
película vamos descubriendo que entre los personajes existe más
relación
de lo que parecía: el primero había comprado su pistola
al yakuza, mientras que éste, quien acaba de sufrir la muerte
de su jefe sin hacer nada por impedirlo, confunde al tendero con el asesino
de su jefe. Por si fuera poco, seguiremos las evoluciones de un grupo
de policías (uno de los
cuales, verdadero propietario de la pistola vendida por el gangster),
a la caza de una banda de yakuzas, dando como conclusión un sangriento
final con todos los personajes enredados. Curiosa propuesta la del director
Sabu (en su película de debut) de minimalista argumento pero donde
esta carrera de los tres protagonistas casi absurda y de prolongación
imposible (comienza por la tarde y se prolonga hasta la noche) se convierte
realmente en un viaje interior de cada uno de ellos, quienes, una vez
acabe la persecución,
habrán
mejorado como personas y tendrán una mejor perspectiva de sus
respectivas y mediocres vidas. A convencernos mejor de este inusual
argumento ayuda el tono ligeramente cómico de todo el relato,
su ironía
y algunos apuntes originales como ese momento en que los tres protagonistas
se cruzan con una mujer y cada uno de ellos se imagina a sí mismo
practicando el sexo con ella, siendo la forma de realizarlo diferente
según
la personalidad de cada uno. Una película curiosa,
original y diferente y que sin ser excepcional, sí que resulta
una propuesta interesante (y con poco que ver con Corre, Lola, corre,
como he leido en alguna parte). |
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Una serie de extrañas muertes empiezan a producirse
en torno a la protagonista, una joven universitaria que sufre problemas
de memoria. A medida que va investigando descubre que todas las víctimas
eran amigas suyas durante su etapa de instituto y que el origen de todo
apunta a un incidente en un lago. Correcta película de terror
coreana, con una historia que se sigue con interés, en que se
alternan las escenas de las muertes, con mucha agua (y, no podía
faltar, con la típica
imagen de la chica fantasma a la que el pelo le tapa la mayor parte de
la cara), la investigación de la chica por descubrir qué está pasando
y flashbacks al pasado en qué vamos descubriendo el origen de
todo el misterio. Sin resultar demasiado original ni sorprendente, sí que
proporciona algún pequeño susto gracias
a los conseguidos efecto de sonido y un giro final de esos inesperados
con los que rematar la historia. Probablemente, Dead Friend no vaya a
pasar a la historia del género de terror, pero si que proporciona
un correcto entretenimiento, lo cual no es poco dentro del matratado
género
de terror tanto occidental como oriental. |
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Del director de Kairo, Kiyoshi Kurosawa, aquí nos cuenta la historia
de un hombre, creador de una silla para inválidos, que funciona
mentalmente, a quien un día de repente le aparece su doble (malo,
claro está) y empieza a ayudarle para la realización de
su silla por su cuenta al margen de la empresa con la que trabaja, y
que será ayudado también por una mujer a cuyo hermano también
se le apareció un doble. Extraña, desconcertante, donde
nunca sabes realmente a dónde te quiere llevar el director, con
curiosas escenas rodadas con pantalla partida (estilo Brian de Palma)
donde se nos muestran las acciones de los dos personajes simultáneamente;
realmente resulta una película más bien poco apasionante,
aburrida y escasamente interesante. Todo eso para llegar a un final repetitivo
y alargado, aunque francamente ya a estas alturas poco te importa lo
que le pase a los personajes. Después de haber visto Cure y ésta,
cada vez parece más claro que su director, Kiyoshi Kurosawa, se
dejó todo su talento en Kairo, ya que desde entonces no ha vuelto
a estar a la altura. El resultado en Doppelganger es ciertamente flojo. |
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Tremenda ida de olla de su director, el tal Ishii
Sogo, en esta especie de mediometraje (su duración no llega
a la hora) que por su blanco y negro y su rollo medio cyber-punk a
primera vista a alguno le podría
recordar el Tetsuo de Shinya Tsukamoto. La (escasa) historia trata
de un joven con poderes eléctricos desde que de niño
recibió una descarga
escalando en una torre eléctrica y gracias a los electroshocks
que recibía en los centros en que era internado que de adulto
se dedica a las mascotas exóticas y a su guitarra eléctrica.
Mientras, aparece otro personaje, que lleva una máscara de Buda
que le cubre la mitad derecha de la cara. Agresiva realización
para esta peliculilla, música tecno-punk, montaje rompedor,
insertos de títulos en movimiento, escasos diálogos,
todo ello para una historia en la que practicamente no pasa nada y
ves a los dos personajes deambulando cada uno por su lado, hasta el
esperado enfrentamiento final (repleto de rayos eléctricos por
doquier) y que gracias a que la película dura
poco la espera no se hace tan larga. No perderse la escena más
memorable de la película (por lo mala que es) en que el protagonista
intenta volver a hacer sonar su guitarra antes destrozada, consiguiendo
solo sonidos horribles. |
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Andy Lau es un asesino profesional, exhibicionista y cinéfilo
que se enfrenta a O, otro asesino a sueldo, japonés, más
frío y de pocas palabras,
con la intención de arrebatarle a este último su posición
de número 1
dentro de la profesión. Entremedias de ellos dos, una mujer, la
asistenta de donde vive O, amada secretamente por este y el policía
que anda detrás de ambos. Vibrante película de acción
con estilizadas y violentas escenas de acción (acompañamiento
del Figaro de Rossini en una de ellas), tensa música, excelente
fotografía, historia de amor y un espectacular final con doble
versión en medio de fuegos artificiales. Una historia que te mantiene
enganchado de principio a fin, con curiosa mezcla de idiomas (se habla
el chino, japonés
e inglés) y en la que lo único criticable tal vez sea el
poco creible salto a la locura del policía perseguidor. Muy superior
a una película occidental de temática parecida, Asesinos,
la de Stallone y Antonio Banderas. |
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Nueva película de Takashi Miike sobre yakuzas, sus personajes
y sus códigos de conducta, en esta ocasión, sin los habituales
desfases propios del director. Se trata del remake de una película
de los años 70 dirigida por Kinji Fukasaku (el de Battle royale
o Tora, tora, tora) La historia trata de la caida sin fondo de un yakuza,
a partir de que dispara por equivocación a su propio jefe, en
un viaje repleto de violencia, drogas y degradación. Es en este
tipo de películas, cuando Miike saca su lado, digamos, responsable,
donde demuestra todo el talento que tiene a la hora de dirigir historias.
Miike rueda cámara al hombro, siguiendo a sus actores, las escenas,
en algunos planos secuencia realmente largos con escenas complicadas
de violencia. Y violenta es un adjetivo que podría adjudicársele
a este film, que gracias a su manera de rodar, cámara al hombro,
se hace más cruda, real y especialmente brutal. Se trata de una
historia dura, absorbente, por su violencia y por la degradación
que sufre el protagonista, protagonista quien además hace una
interpretación impecable de canalla sin ningún tipo de
moral, hasta tal punto que uno se pregunta si no han contratado realmente
a mafioso auténtico quien se interpretara a si mismo. Película
altamente recomendable, aunque por su dureza, puede que no apta para
todos los públicos. |
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La sombra de El silencio de los corderos o de películas
como Seven es alargada... Una pareja de policías investiga una
sucesión
de asesinatos producidos por un asesino en serie, para lo cual se ven
obligados a interrogar a un preso, encarcelado por los crímenes
que cometió
tiempo ha, en cuyo patrón al parecer el asesino actual se ha
inspirado. El cine coreano toma los patrones del cine americano más
comercial, en este caso de los thrillers al estilo El silencio de los
corderos (de cuyo argumento, como hemos visto, toma más de una
idea), Seven o demás
sucedáneos. Esta apropiación de ideas no sería cosa
mala, si aportase ideas originales, detalles novedosos o una intriga
y una atmósfera (no
faltan aquí momentos de espesa lluvia) que estuviese a la altura
de los originales fuente de inspiración. Sin embargo, no hay nada
de eso y se nos cuenta una historia de investigación más
bien rutinaria, sin sorpresas y sin excesivos motivos de entusiasmo.
Pese a todo lo dicho, tal vez a algún espectador poco exigente
le pudiera parecer una película válida para un rato de
entretenimiento sin muchas expectativas pero el final, que pretende ser
un final sorpresa rompedor para dejar boquiabierto al espectador, resulta
más bien ridículo y no
hace más que terminar de hundir a esta poco destacable película.
Como curiosidad, comentar la afición dentro del cine coreano del
tema de la hipnosis; lástiima que aquí el recurso argumental
esté tan mal utilizado,
al contrario de lo que ocurría en otros filmes como el magistral
Old Boy. |
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Ambientada en una especie de finales de siglo XIX alternativos
donde la magia y la alta tecnología a vapor se combinan con total normalidad,
Sophie es una joven sombrerera quien un día, casualmente se cruza con
un joven mago. Éste está en constante disputa con otra bruja, la cual,
en represalia, le manda una maldición que le convierte en una anciana
que no puede revelar el motivo de su prematuro envejecimiento. Sophie
decide huir y va a parar a un castillo andante, propiedad del joven mago
que antes conoció. Es desde este momento en que Sophie vivirá una larga
serie de aventuras en las que tendrá que recuperar su juventud y ayudar
al joven mago a quien se lo disputan los dos bandos en contienda de una
larga guerra latente. |
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Un claro homenaje a las películas de John Woo y al llamado subgénero
del heroic bloodshed (esto es, historias caracterizadas por los abundantes
tiroteos, en un trasfondo de amistad y honor, por lo general, con trágicos
desenlaces). En esta ocasión se nos cuenta la historia de dos
hombres (Leon Lai y Lau Chin Wan), ambos manos derechas de dos bandas
mafiosas rivales que mantienen una extraña relación de
amistad. Tras un intenso tiroteo en que ambos resultan malheridos, sus
líderes firman un acuerdo
de alianza, dejando a sus antiguos colaboradores en la cuneta, lo cual
llevará a la inevitable venganza. Desde luego, el inexpresivo
Leon Lai no tiene el carisma de Chow Yun Fat disparando a dos manos ni
Johnnie To exhibe el virtuosismo de John Woo en las escenas de acción,
en sus tíipicas ensaladas de tiros. Sin embargo, la película
resulta un correcto entretenimiento, con sus dosis de acción,
sus dosis de drama (momentos soportados sobre todo por el actor Lau Chin
Wan) y con una arriesgada realización, con escasos diálogos,
haciendo que conozcamos a los personajes principalmente por sus acciones
más que por sus frases
(así la escena en el bar en el que los dos protagonistas compiten
a romper vasos lanzando monedas). A pesar de que la historia
tarde un tanto en arrancar, se puede decir que A hero never dies constituye
una digna aportación
al género del heroic bloodshed que, aunque hace añorar
la etapa de oro de John Woo en Hong Kong, representa una estimable película
bastante recomendable. |
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Reseñas:
Felipe Múgica |
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