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El punto R del título es un lugar a donde son destinados un grupo
de soldados coreanos, durante la guerra de Vietnam (que gracias a esta
película
nos enteramos de que los coreanos estuvieron en la guerra de Vietnam)
en el que ha desaparecido un destacamiento anterior. El sitio tiene fama
de sufrir una maldición desde que tuvo lugar una antigua matanza
de soldados franceses y es a partir de entonces cuando empezarán
a producirse los sucesos extraños
y las bajas dentro del grupo. Interesante film coreano de terror que,
al igual que otros títulos occidentales como El bunker o Deathwatch,
ubica una historia de terror dentro de un contexto bélico, en
este caso la guerra de Vietnam. Frente a tantos títulos que siguen
la estela y la moda de The ring (estilo que desde mi punto de vista empieza
a estar ya un tanto agotado), R Point huye inteligentemente de esta tendencia
y ofrece una historia de terror desde una vertiente más psicológica.
Los miedos, las dudas de los personajes son el centro de unargumento,
todo ello dentro de una conseguida atmósfera terrorífica
con algunos momentos e imágenes a recordar como son esos soldados
fantasma andando entre la espesura y que uno de los soldados vivos confunde
con sus compañeros,
la aparición inicial de la casa en que se alojará la patrulla,
la mujer fantasmal... Lástima que un final precipitado eche a
perder bastantes de estas virtudes y no termine de redondear un filme
que hasta el momento estaba siendo realmente interesante y con una conseguida
atmósfera
inquietante. Pese a todo, recomendable. |
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Johnny To es uno de los directores más importantes
de Hong Kong en la actualidad. Con una trayectoria que dio comienzo en
1980, cuenta hasta la fecha con más de 30 películas (de
hecho este prolífico
director ha rodado este año ya tres películas), habiendo
tocado todo tipo de géneros como la comedia o las artes marciales
(aunque parece preferir el género de acción) y cuenta con
su propia compañía productora
(la Milkiway). En esta película de 1999, Andy Lau es un hombre
al que le quedan tres meses de vida, pero antes de morir decide ejecutar
su venganza contra unos mafiosos, manipulando a un policía como
centro de un complicado plan. Distraida historia de intriga destinada
al lucimiento de su protagonista, Andy Lau, quien luce varios maquillajes
y realiza un doble papel en la película. Momentos de acción,
toques de humor, en un guión donde lo más interesante es
ir descubriendo por donde lleva el personaje de Andy Lau al policía,
quien es utilizado para acabar con el citado grupo de mafiosos y que
al final llegará a sentir simpatía por
su manipulador. |
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SARS Wars es una de esas películas que parecen
hechas expresamente para verlas en un sano ambiente de cachondeo amiguetil.
El argumento de partida ya se las trae: en Tailandia se desata una epidemia
del virus Sars (que hace unos años se conoció como gripe
asiática),
que provoca en las personas a las que afecta que se conviertan
en zombies furiosos. La acción se desarrolla en un rascacielos
en el que nos encontramos a unos secuestradores que han raptado a la
hija de un importante magnate, el joven encargado de rescatarla, el jefe
de éste
que acude en su apoyo y una explosiva doctora que posee el antídoto
para acabar con la epidemia. La verdad es que a pesar del delirante argumento
no nos encontramos frente a una cutre película de serie Z. El
film tiene presencia, una cierta realización bastante currada
e incluso cuenta con efectos digitales (esa serpiente gigante) Además,
contiene una presentación realizada
mediante animación e incluso un flashback a la mitad de la historia
con esta misma técnica (¿alguien más ha pensado
en Kill Bill?) A pesar de todo ello y entre chistes, escenas de sangre,
de acción, travestis y algún detalle más, la verdad
es que la película se
queda a medio camino de resultar graciosa y solo en contadas ocasiones
consigues reirte de verdad. Es por eso que insisto en que la película
parece pensada para verla en compañía de un grupo de amiguetes
y unas buenas cervezas, combinación que hará sin duda que
el visionado gane muchos enteros. |
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El argumento de Satorare tiene un punto de partida ubicado
dentro del género fantástico, aunque luego el tono se decante
más por el drama,
o la comedia ocasionalmente. Los transparentes son personas caracterizadas
porque sus pensamientos son precisamente eso, transparentes y toda la
gente situada en un radio de diez metros alrededor de estas personas
pueden escuchar lo que piensan. Como en situaciones anteriores algún
caso había intentado suicidarse y debido a que son extremadamente
inteligentes y útiles para la sociedad, se trata de evitar a toda
costa que los aquejados por este mal conozcan que lo son a través
de campañas de
concienciación por parte del gobierno y sometiendo a los sujetos
a un estricto seguimiento en sus lugares de trabajo, vivienda, etc...
Sólo
hay 7 transparentes en Japón y una mujer es destinada a ser observadora
del séptimo de ellos, un joven que desea ser cirujano. Original
punto de partida de esta película. Si en films anteriores hemos
visto historias de personajes dotados con la capacidad de leer mentes,
aquí
es al contrario, es el personajes central el que tiene sus pensamientos
al desnudo y cualquiera puede conocerlos. Si en manos de otro director,
el guión pudiera haber tomado un tono de ciencia-ficción,
aquí lo que
se nos presenta es el drama, el día a día de un joven del
que todo el mundo conoce sus pensamientos y sus problemas para poder
alcanzar sus aspiraciones laborales (¿quién querría
ser operado por alguien del que conocemos lo que piensa?) y afectivas
(¿quién querría salir con alguien
del que todo el mundo conocería sus intimidades?) La película
sortea con habilidad el límite de la credibilidad (todos los
esfuerzos que se toman para que el transparente no conozca su condición,
incluido un hospital entero subordinado a la presencia del joven) y
la historia está contada
con extraordinaria naturalidad haciendo que no pesen las dos horas largas
de duración. Consigue que suframos con el protagonista y nos riamos
en los momentos más cómicos; concluyendo con un final en
el límite justo
de lo lacrimógeno (estupendo el momento de la operación
quirúrgica, realizada
mientras el hospital entero sigue la evolución de la operación,
a través
de los pensamientos del protagonista) La película ha sido comparada
con El show de Truman, con la que comparte la idea de una realidad artificial
creada alrededor del personaje central, aunque se trata tan solo de un
parecido tangencial que no debería disuadir a la gente de acercarse
a ver este estupendo drama, de emocionante historia y desarrollo. |
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Un joven escritor decide celebrar la venta de su libro
pasando unos días de vacaciones con su esposa, haciendo un viaje
en coche. Durante el trayecto, a causa de un atropello, se ven obligados
a recoger a un extraño hombre, quien, a partir de ese momento,
convertirá sus
vacaciones en un infierno, haciéndoles la vida imposible y obligándoles
a compartir todo el tiempo con ellos. La idea del perturbado que acosa
a una pareja o a una familia no es nueva; ahí tenemos De repente
un extraño o El cabo
del miedo. Sin embargo, a pesar de la falta de originalidad, cuando el
argumento está bien llevado y la historia está contada
con fluidez la película puede resultar interesante como es el
caso. Así, tenemos una
primera fase en la que se muestra la felicidad de la pareja (tal vez
algo larga y reiterativa, pero que al final comprobaremos que tenía
su razón
de ser), una segunda, la del acoso del protagonista, con un adecuado
crescendo en que la espiral de los acontecimientos va creciendo progresivamente
y no sabes dónde puede llegar a acabar; y una tercera de conclusión,
en la que se pone a prueba el amor del protagonista por su pareja y comprenderemos
la razón del título. Es en esta última parte donde
el director se descontrola un tanto, conviertiendo al psicópata
en una especie de destroyer que arrasa con todo y con un exceso de contenido
hemoglobínico (así el plano
del protagonista en medio de un charco de sangre) Tal vez sea este final
algo desproporcionado el único punto flaco de la película,
que se beneficia asimismo de la inquietante actuación del actor
Park Jung-Hun (una especie de Rutger Hauer en oriental) que resulta realmente
amenazador del principio al final del metraje. |
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Ambiciosa película de Tsui Hark en la que pretendía
adaptar el primero de una serie de antiguos libros chinos de aventuras
que al parecer incluso debieron de inspirar al propio Akira Kurosawa
para su Los siete samurais. El objetivo de Tsui Hark era realizar un
largometraje de 4 horas de duración, que al final se ha quedado
en dos horas y media, y dar comienzo a una longeva saga de películas
que aspiraba llegase a los 7 títulos. Parece que esto último
no va a ser así vistos
los discretos resultados en la taquilla hongkonesa. Desde luego, el film
exhibe su factura lujosa, que ha contado con abundantes medios económicos
y cuidada hasta el mínimo detalle. Así ocurre con la ambientación,
la caracterización y vestuarios (con algunos guerreros de estilo
diríamos casi punk), la exquisita fotografía, la excelente
banda sonora del japonés Kenji
Kawai, los combates y las coreografías... Sin embargo, algo falla
y eso es el guión. Momentos excesivamente alargados (como el comienzo
y la presentación del villano de la historia), otros no lo suficientemnte
bien explicados (como la búsqueda de las espadas y la formación
del grupo) y, sobre todo, personajes no lo suficientemente bien desarrollados.
Esto es tan así que a pesar de ser siete los protagonistas de
la historia, a menudo da la impresión de tratarse simplemente
tres o cuatro. Algunos miembros del grupo adquieren excesivo protagonismo
mientras otros pasan totalmente desapercibidos, a lo que hay que sumar
dedicar un espacio para algunos de los habitantes del pueblo. Sin duda,
en el paso del proyecto inicial de película de cuatro horas al
resultado final de dos y media, el corte de tijera se ha efectuado de
modo bastante desigual, dejando bastantes personajes en un plano muy
secundario y a otros dándole un protagonismo excesivo, así como
mantener el espacio para las abundantes peleas. Es por todo ello que
el resultado final es bastante desigual y ciertamente imperfecto, pese
a que pueda resultar un pasable entretenimiento para un público
no muy exigente. Al menos, las dos horas y media de metraje no se hacen
largas... |
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Lo cierto es que a pesar de no tratarse de una película
ni excesivmente original ni demasiado novedosa en lo que cuenta (una pareja
de novios que sufren el acoso del fantasma de una joven a la que han atropellado
y que deja rastro de su presencia en las fotos que toma el hombre); y a
pesar de encuadrarse marcadamente en la corriente oriental de terror estilo
"The ring", sí que logra resultar terrorífica,
efectiva y proporciona alguna que otra sopresa para todos aquellos que
empezábamos a estar cansados de
tanta repetición del esquema de "The ring". El film presenta
una clara vocación internacional (los títulos aparecen no
solo en tailandés sino
también en inglés y ha constituido un enorme éxito
en su país) y ofrece
una factura técnica perfecta, alejada de mucho de lo que se ve en
la cinematografía
tailandesa reciente (léase el kitsch de Las lágrimas del
tigre negro o la tosquedad de Ong Bak). La historia a pesar de no ser excesivamente
original como decimos se sigue con interés, desde la inevitable
investigación
acerca del origen de lo que está sucediendo, los consecuentes flash-backs
y algunas escenas e imágenes de infarto como aquella que tiene lugar
en una escalera de mano, aquella otra de la sucesión de fotos que
revelan la actividad del fantasma o la de la propia resolución
final. Interesante largometraje de terror por tanto e interesante de visualizar
antes de que Hollywood se encargue del correspondiente remake ya en proyecto. |
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Como en una especie de Doce del patíbulo a la coreana, un grupo
de 30 condenados a muerte son seleccionados para ejecutar una arriesgada
misión:
asesinar al lider de Corea del Norte para de este modo lograr una reunificación
de las dos Coreas. Este grupo de hombres son sometidos a un durísimo
entrenamiento durante varios años; sin embargo, en el último
momento la misión es cancelada. Silmido sigue el esquema típico
de esta clase de historias: una primera parte dedicada al entrenamiento
de los protagonistas y una segunda centrada más en la acción
y en la ejecución de la misión que da pie a toda la historia.
Aquí,
sin embargo, el argumento se aleja más bien del enfoque de "Hazañas
bélicas"
y prefiere centrarse en el tono dramático y en las
relaciones entre personajes, que posiblemente sean demasiado abundantes
como para dedicarlos a todos su tiempo. Y es que es en este
enfoque elegido por el director de pretender mostrar un drama de personajes
más
que pura acción
donde falla todo el andamiaje de la película, ya que nunca llegas
a identificarte del todo con estos personajes, ni con sus relaciones,
sus historias de amistad, ni el trato con los instructores y su durísimo
entrenamiento. Ello hace (y la falta de fluidez del guión también)
que hacia la mitad de la película una cierta sensación
de aburrimiento se apodere del espectador quien se encuentra frente a
un film de más de dos horas y cuarto. A consecuencia de ello, el pretendido
final dramático
se queda a medio gas y no alcanza todo el potencial que sin duda el argumento
prometía.
Una lástima,
ya que se nota que había por detrás bastantes medios
y que la historia se deja ver pese a todo, pero quien quiera ver una
buena película de género bélico y coreana que se
busque Tae Guk Gi. |
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La historia trata de una chica que es asesinada justo
antes de su boda por un hombre que se dedica a robar los corazones de
sus víctimas. Convertida en fantasma, tratará de ayudar
a su prometido (que es policía) a encontrar al asesino. Así a
primera vista, cualquiera podría pensar que Sky High es una versión
en femenino de Ghost. Sin embargo, la evolución de los acontecimientos
va a demostrar que es algo más que eso. Y es que nos encontramos
también
una trama de investigación en busca de un asesino en serie, rituales
mágicos,
portales para acceder al cielo y al infierno y por si fuera poco incluso
luchas a espada. Y es en esta mezcla de géneros sin ningún tipo
de reparos donde se encuentra la mayor virtud de la película,
que no deja momento de respiro en ningún momento
y que sorprende continuamente por su cambio de estilo constante.
Una película entretenida, sin demasiadas pretensiones, a la que
tal vez se le pueda achacar un presupuesto no demasiado elevado, patente
en algún
momento (ese demonio detrás de las puertas...) De pronta aparición
en DVD en España... |
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Curioso OVA (la duración no pasa de 45 minutos) ambientado en
Andalucía durante la Vuelta Ciclista a España. El protagonista
es un ciclista (Pepe) y sus esfuerzos para ganar la etapa que discurre
por su tierra. Asimismo, nos encontramos con su hermano (quien se casa
ese mismo día) y el resto de familiares y amigos que le siguen
atentos por televisión durante el discurrir de la etapa. Sin ser
nada que vaya a hacer historia, se trata de una peliculita simpática,
se ven sin problemas y resulta distraida. Lo más llamativo de
todo es sin duda la curiosidad de ver qué idea tienen los japoneses
de Andalucía y así vemos detalles como el de la boda, con
los dos contrayentes, digamos, muy raciales, costumbres como la afición
a las berenjenas y, cómo no, el toro de Osborne, que aparece varias
veces durante el metraje. Curioso también que, por una vez, la
ambientación músical para una historia ambientada en España,
sea la adecuada, ya que la ambientación andaluza sí pedía
en esta ocasión las típicas palmas y guitarra española. |
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Extraña, original, surrealista comedia japonesa, sorprendente
y tronchante a partes iguales. En el inusual argumento se nos
cuentan cinco historias (los cinco estilos de supervivencia del título,
se entiende) de cinco grupos de personajes que se van entrecruzando a
lo largo del relato. El primero, y con el que abre la película,
es la historia de un hombre (Tadanobu Asano, el Kakihara de Ichi the
killer, en una interpretación
inexpresiva al límite) quien asesina a su mujer pero la cual regresa
una y otra vez a la vida, haga lo que haga. Para acabar con ella, contrata
a un par de asesinos, uno inglés (el ex-jugador de fútbol
Vinnie Jones, quien por su físico parece encasillado en los papeles
de matón, gangster o asesino
como es el caso) y el otro japonés, con bastante poca pinta de
asesino y que hace de traductor de su compañero. Antes de esto,
la pareja de asesinos había liquidado en directo a un hipnotizador,
con el problema de haber dejado hipnotizado a un padre de familia creyéndose
un pájaro. En la
tercera de las historias veremos los problemas de esta familia por tratar
de que el hombre vuelva a la normalidad. El asesinato del hipnotizador
había sido contratado por una mujer, una publicista, que descubre
en cada momento cotidiano ideas para futuros anuncios (impagables son
las escenificaciones de estos anuncios). La última de las historias
es la de un trío de asaltacasas
en cuyo núcleo surgirá una inesperada historia de amor.
Desconcertante en ocasiones, hilarante (ese momento en que la esposa
resucitada ataca a su marido lanzando sus brazos a lo cohetes o posteriormente, ¡vomitando
fuego!), irregular en otras, inesperada (ese final)... Survive Style
5+ es una auténtica rareza que revela una personalidad sin duda
diferente,
única y personal de su director debutante, Gen Sekiguchi. Si
a lo insólito
de su argumento le sumamos lo original de su realización (atención
al uso de la música en algunos momentos) o su diseño auténticamente
pop (no hay más que ver la casa del personaje de Tadanobu Asano
o ese avión
del comienzo de paredes rosas) nos encontramos con una propuesta de muy
recomendable visión y absolutamente imprescindible para aquellos
degustadores de rarezas y de un cine que se salga de lo habitual. |
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Sympathy for lady vengeance defraudará probablemente
a todos aquellos que se esperen un nuevo OldBoy, una historia de venganza
violenta, con inesperada sorpresa final y un estilizado sentido visual.
De esto último sí queda bastante pero Park Chan-wook, inteligentemente,
huye de los rasgos de su film anterior y construye una nueva historia
que, por supueso, no es un OldBoy, 2ª parte. En esta película,
la tercera y última
dedicada a su trilogía sobre la venganza, es una mujer la protagonista,
la cual fue encarcelada por el asesinato de un niño que no cometió.
14 años más tarde sale de prisión con el firme objetivo
de vengarse del hombre que asesinó al niño y que causó su
estancia en la cárcel. Dos partes se podrían diferenciar
en el film: la primera en la que a través de flashbacks vamos
conociendo la estancia de la protagonista en prisión y cómo
va entablando contacto con las mujeres que, una vez fuera, le ayudarán
a consumar su venganza. La segunda, en la que asistimos a la consumación
de la venganza, de una extrema dureza. Sympathy... conserva el cuidado
estilo visual de su antecesora, la exquisita selección musical
(que mezcla una estupenda banda sonora original con piezas de Vivaldi
e incluso, sorprendentemente,
¡una canción tradicional valenciana!), el excelente trabajo
de los protagonistas (Choi Min Sik repite aquí en el desagradable
papel de asesino) la dureza de la historia, aunque menos gráfica
que en OldBoy, con algunas escenas violentas retratadas fuera de campo...
Sin embargo, aquí,
como hemos comentado, se huye de los giros argumentales y el guión
parece centrarse más en una reflexión
sobre lo que supone el acto de la venganza: ¿qué seríamos
capaces de hacer ante el asesinato de un ser querido? La película
carece del poder de fascinación de OldBoy y su historia no es
tan absorbente, le sobra algún final... pero sin embargo,
pese a no estar a la altura del film anterior de Park Chan-wook, se
trata de un largometraje altamente recomendable y que debe ser visto
por todo el mundo sin expectativas ni ideas preconcebidas sobre su argumento. |
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Se ha considerado a esta película como el Salvar al soldado
Ryan coreano, aunque solo sea como una manera simple y rápida
de definir el filme, ya que aparte de la proximidad en el tiempo de ambos
conflictos (la Segunda Guerra Mundial y la guerra de Corea) y las similitudes
en cuanto a modo de combate, estilo de uniformes y demás, escasa
relación existe con la película de Steven Spielberg. Aquí se
nos narra la historia de dos hermanos, que se ven obligados a combatir
en la guerra de Corea y los dramas que se desatan entre ambos, el mayor,
sobreprotector hacia el menor, el progresivo engreimiento de
aquél con la obtención
de medallas, su paso al bando contrario al creer que su hermano ha muerto...
Se notan en esta película los fastos de gran superproducción;
las escenas de batallas, con numerosos extras y despliegue técnico,
están
rodadas de un modo excelente y no tienen nada que envidiar a cualquier
producción
estadounidense. Asimismo, el guión ha sido cuidado al máximo
para ofrecer las dosis exactas de drama, épica y emoción:
desde el comienzo, ubicado en la actualidad, el flashback al pasado (toda
la película
es un largo flashback), en que conocemos la apacible vida de los dos
hermanos, la irrupción de la guerra, los conflictos entre ambos...
todo ello hasta llegar al emocionante y dramático final. La sensación
final es la de un apasionante film bélico que atrapa y emociona
al espectador durante sus casi dos horas y media de duración,
que refleja a la perfección la crudeza de la contienda (hoy en
día ya
cualquier film bélico es antibelicista de por si) y que, finalmente,
viene a confirmar el excelente nivel actual de la cinematografía
coreana no solo en calidad, sino en cuanto al nivel técnico desplegado
en sus últimas
películas.
Como curiosidad señalar que ésta ha sido la película
seleccionada por Corea del Sur para representar a su país en la
entrega de los Oscars del 2004. |
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Los hermanos Pang son los autores de títulos como Muerte
en Bangkok o la exitosa serie de The eye y, aun siendo tailandeses sus
película suelen estar producidas a medio camino entre este país y la
ex-colonia de Hong Kong. Aunque Danny y Oxide Pang acostumbran a trabajar
en pareja al estilo de tantos hermanos directores con que nos encontramos
en la actualidad (Coen, Wachowsky, Farrelly...) a diferencia de estos,
gustan en ocasiones de trabajar por separado y firmar sus realizaciones
cada uno por su lado. Éste es el caso de The tesseract, realizada por
Oxide Pang entre la primera y la segunda parte de The eye. Lo que aquí se
nos narra es una historia de ambiente criminal, localizada en Bangkok,
en la que se entrecruza el destino de una serie de personajes en principio
sin demasiada relación: un inglés (interpretado por Jonathan Rhys-Meyers,
visto en películas como Velvet Goldmine o, más recientemente, La feria
de las vanidades), al que una banda pretende utilizarle para sacar al
extranjero un paquete de droga; un niño, un ratero, que trabaja en el
hotel donde se aloja el personaje anterior; y una inglesa, psicóloga,
que comenzará a sentir afecto por el pequeño. La película, estilísticamente
es más cercana a Muerte en Bangkok que a de The eye, no solo desde el
punto de vista argumental sino también en cuanto a su puesta en escena.
La película está repleta de efectos visuales, trucos de cámara, filtros,
virados de color, ralentizamientos, aceleraciones, en un estilo que
algunos irritará mientras que a otros les parecerá seguramente
innovador y enriquecedor para lo que cuenta. A esto hay que sumar la
manera en que el argumento está narrado, con flash backs, saltos en el
tiempo, acciones simultáneas no narradas alternativamente sino una a
continuación
de la otra... que ponen a prueba la atención del espectador y que le
obligan a ir reconstruyendo la historia a medida que se le va contando.
La película supone así más un experimento, un juego narrativo por parte
de Oxide Pang con resultados interesantes, aunque no espectaculares.
Es de destacar, al margen de todo esto, esa especie
de microcosmos de personajes donde todos acaban interrelacionándose de
un modo u otro (basado el guión en una novela de Alex Garland, autor
también del libreto para la más popular The beach) y algunos momentos
especialmente emotivos como aquellos entre la mujer y el niño el cual
le recuerda a la primera su hijo fallecido.
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Sin duda es una propuesta a alabar la de los dos filmes de Three
buscando realizar un cine de terror de episodios pero tratando de que
sean siempre de calidad y contratando a los mejores directores del
cine oriental del momento. En esta segunda entrega (ver extenso comentario
de la primera en este enlace)
los directores seleccionados han sido el hiperactivo y transgresor Takashi
Miike, el habitual de festivales, Fruit Chan (Made in Hong Kong) y el
director de Old Boy, Park Chan-wook. El primer episodio, Box, corresponde
a Miike. Dejando de lado sus frecuentes excesos nos cuenta aquí la
historia de una chica que de niña mató accidentalmente
a su hermana (las dos eran contorsionistas) y desde entonces sufre visiones
de su hermana muerta junto a horribles pesadillas. Miike nos ofrece aquí
un interesante episodio donde destacan una cuidada ambientación
(el circo donde se realizan las representaciones de las hermanas, las
imágenes
en la nieve), así
como una pausada narración, todo ello en una historia que combina
celos infantiles, muertes accidentales e incesto. Tal vez lo único
reprochable a este episodio sea ese plano final,
esa última vuelta
de tuerca con la que se pretende dar un giro final inesperado que rompe
un tanto con la cuidada realización hasta el momento y que realmente
sobra. |
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The taste of tea es un fragmento de la vida de una serie
de personajes relacionados entre sí por el vínculo familiar,
con sus detalles, sus rarezas y sus vivencias cotidianas. La hija, una
niña
pequeña, sufre de la compañía perenne de una versión
de sí misma agigantada
y lucha por hacerla desaparecer, el hijo, adolescente, se enamora de
una compañera de clase que comparte con él la afición
al juego japonés
del go; la madre es animadora de dibujos animados y trabaja desde casa,
el padre se dedica al hipnotismo, el hermano de éste, es dibujante
de manga y compone una horrible canción apoyado por el peculiar
padre de estos dos; el hermano de la madre es un ingeniero de sonido
que por obligación
familiar se tendrá que encargar
de la grabación de la canción de su cuñado... La
película tiene varias virtudes: la primera de ellas es la enorme
naturalidad y la cotidianeidad que transmite de las historias que cuenta.
Para ello el director Katsuhito Ishii se apoya en una realización
tremendamente básica, basada en largos planos, cámara
estática y en curiosos momentos sin diálogo en que los
actores permanecen plantados sin pronunciar palabra. La segunda virtud
es la de lograr que una película
de cerca de dos horas y media como es ésta no llegue a hacerse pesada
en ningún
momento e incluso provoque la inhabitual sensación de querer seguir conociendo
más detalles de esta, por momentos, peculiar familia. Y es que éste es
el mayor logro del film, el retrato de un grupo familiar con situaciones
fácilmente
identificables (las fantasías
infantiles, los enamoramientos de la adolescencia...) que hace que rápidamente
conectemos con este microcosmos planteado por el director. Lástima
que la voz en off femenina que ejerce de narradora al comienzo del film
desaparezca al poco de comenzar, ya que le
daba un toque de realismo mágico a la historia (ese flash back
con la anécdota
del tío y el yakuza fantasma) que se va diluyendo a medida que
transcurre la película. |
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El protagonista, un decorador de interiores, conoce un día que
dos niñas que había visto en el metro han aparecido muertas
envenenadas por su propia madre. El problema será de verdad cuando
empiece a tener visiones de estas dos niñas sentadas a la mesa
de su propia sala. Lo que empieza como una historia de terror de visiones
fantasmales pronto deriva hacia el drama desde el momento en
que el protagonista conozca a una chica que aparentemente también
puede ver a las niñas
fantasmas y padece narcolepsia, con la cual empieza a obsesionarse. Es
aquí cuando
da comienzo la verdadera historia, la cual se hace inevitablemente aburrida
(y no precisamente porque el tono sea más dramático que
de terror) a causa de la lentitud de la misma, el escaso interés
que suscita y la duración
de la misma (los 128 minutos se hacen eternos y bien le habrían
venido unos cuantos tijeretazos). El punto de partida de la historia
(las dos niñas muertas que se le aparecen al protagonista) pronto
queda olvidado y nos metemos en un guión formado por juicios,
flashbacks del personaje central, bebés asesinados, malos rollos
entre el protagonista y su prometida y entre la chica de la narcolepsia
y su marido y demás tramas que hacen que
la historia se haga eterna, con escasos momentos que se salgan de la
indiferencia que despierta el conjunto, a todo lo cual no ayuda precisamente
una realización
ciertamente plana. |
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Una representativa muestra de la llamada Categoría III (Clasificación
hongkongesa para todas aquellas películas con elevado contenido
de violencia y/o sexo). Aquí el guión, basado en los hechos
reales de un asesino en serie que cometió varios crímenes
en Macao en la década de los
80, es una mera excusa para mostrar una serie de escenas a cada cual
más brutal y sangrienta. Así, los asesinatos del protagonista
(interpretado por un pasado de vueltas Anthony Wong, quien por aquellos
años parecía
encasillado en los papeles de villano) y las brutales palizas que recibe
éste culminan en la escena cumbre de la película, en cuanto
a violencia y sadismo; aquélla en la que el asesino mata a una
familia entera, varios niños incluidos, durante un largo flashback.
En cuanto al resto de la película, nos encontramos pobres interpretaciones
(incluida la del co-director de la película, Danny Lee, recordado
como el policía de The killer), una burda realización y
unas escenas de un humor de lo más infantil. Ni siquiera tiene
sentido tratar de ver una denuncia de los maltratos de la policía
de Macao hacia el protagonista detenido, ya que desde el principio queda
claro que todo ello forma parte de guión destinado a mostrar las
secuencias más violentas y sangrientas posibles. Por tanto, como
conclusión,
película
reservada a los seguidores de la Categoría III hongkongesa y del
gore más brutal y salvaje, sin
mayores consideraciones. |
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Una mujer acude a Tokyo a la búsqueda de su prometido, quien
le había
dejado plantada en el mismo altar, acompañado de un decorador
de interiores, quien busca que le paguen el trabajo realizado en el piso
de ella. En la capital japonesa son atacados por un grupo de hombres,
de los cuales son rescatados por un detective fanfarrón interpretado
por Tony Leung. Así da comienzo esta divertida película
de acción hongkongesa,
aunque ambientada en Tokyo, entretenida de principio a fin, que aunque
solo busca un entretenimiento sin pretensiones, se trata de un objetivo
que logra sobradamenteo. A ello ayudan las excelentes coreografías
en los combates (que pueden recordar a las luchas de Jackie Chan en el
sentido de la interacción
con los objetos circundantes y mobiliario, aunque con menor comicidad),
una enrevesada trama donde nadie es lo que dice o parece ser, algunas
persecuciones impagables (como esa con Tony Leung huyendo en monopatín
motorizado o la final en las lanchas) y, lo más curioso de todo,
una rumbera banda sonora compuesta en su mayoría por temas de
inspiración en el flamenco. El resultado de todo esto es una dinámica
y divertida película, ligera, sin exceso de violencia, a pesar
de los combates y que cumple con lo muchas otras películas, orientales
o no, no hacen, entretener de principio a fin. (Editada en DVD en España
por Columbia TriStar) |
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Tomie es el inicio de una popular serie de películas
de terror en Japón que ha dado lugar hasta cinco títulos,
uno de los cuales fue dirigido por el posteriormente exitoso Takashi
Shimizu, realizador de La maldición (The grudge) y sus secuelas
y remakes. La película, basada en un manga de Junji Itou (también
inspirador de Uzumaki), consta como ganadora de premios en algún
festival de cine fantástico, sin embargo, recién vista
no se puede decir que la experiencia sea realmente para provocar entusiasmos.
Para empezar, sorprende la asfixiante austeridad con la que está rodado
el film, practicamente ni un solo efecto visual y apenas de maquillaje
(se podría
citar el uso de lentillas de color para la malvada monstruosa de la historia),
así
como el recurso a un montaje convencional y la ausencia de trucos de
cámara. En segundo lugar, el ritmo excesivamente lento y cansino
(característica
tradicionalmente asociada a cierto cine de autor japonés) requiere
por parte del espectador un esfuerzo extra para mantener la atención
en el argumento. Y por último, un guión del
que ciertos detalles no se cuentan o parece se dan por sabidos por el
espectador (tal vez para los que conozcan el manga en que se basa), hace
que en ciertos momentos se haga difícil seguir la historia y uno
se pueda sentir perdido. Tomie es un film muy frío,
apenas terrorífico, lento, de una gran austeridad (rasgo probablemente
debido también al ajustado presupuesto) lo cual le hace a uno
difícil de entender
el éxito de la propuesta en su propio país y que realmente
no anima a ver el resto de films de la serie. A pesar de la popularidad
de la película
en Japón, sigue inédita en nuestro país. |
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El protagonista (Eason Chan) es un joven peluquero quien un día
conoce a una chica (la guapa Shu Qi), de la que se enamora, quien resulta
que tiene la facultad de ver fantasmas. A partir de entonces cosas extrañas
empezarán a suceder en torno al joven, sucesos relacionados con
un accidente mortal ocurrido 15 años atrás. Visible secret
se presenta como una extraña
mezcla de película de terror, de drama y de comedia cuyo principal
problema es que no funciona, primero, como historia de terror (no atemoriza
y las escenas de personas poseidas por fantasmas resultan un tanto absurdas),
ni como historia romántica, ni como comedia, que es más
bien poco divertida. Todo el guión, con la historia de los espíritus
y las personas poseidas por estos fantasmas resulta más bien poco
creible y el argumento deambula de un lado para otro con historias secundarias
hasta que finalmente nos enteramos de la verdadera razón de tanto
suceso extraño que afecta al protagonista.
Si a todo esto le sumamos un final pretendidamente
sorpresa más bien poco original, nos queda como resultado una
película
desconcertante y más bien fallida, que fracasa por completo en
su mezcla de géneros. Visible secret ha sido editada en DVD en
nuestro país por la compañía White Pictures. |
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Nos encontramos en plena guerra de Corea. Dongmakgol es
una pequeña aldea, que permanece ajena a todo lo que sucede en
el mundo que le rodea, a la que van a parar un soldado americano, cuyo
avión
se estrella cerca de la zona, tres soldados norcoreanos y otros dos del
bando sur. Pese a las tensiones lógicas iniciales, poco a poco
irán
entablando una férrea
amistad entre todos ellos y deberán unir fuerzas para defender
a la aldea de los peligros derivados de la guerra. La idea de la Corea
dividida, de la posibilidad de romper fronteras e ideologías y
entablar relaciones positivas es un tema claramente recurrente en la
cinematografía
coreana (un ejemplo lo vemos en la excelente Joint Security
Area de Park Chan-Wook). Aquí se juega con esa posibilidad a través
de la existencia de una aldea imaginaria que vive ajena al resto del
mundo al modo de un modesto Shangri-La (en la que a pesar de que sí se
envejece sí tiene
un cierto elemento intemporal y parece se insinúa un leve toque
fantástico a través
de esas mariposas que indican la cercanía de la aldea). La historia
combina humor, risas, drama, lloros y género bélico en
una ajustada mezcla dirigida a conmover al espectador. Lo más
interesante resulta la presentación de personajes en la que estos,
cada grupo por su lado, va descubriendo el poblado y cómo entran
todos ellos en contacto. A partir de ahí el resto de la película,
aunque se ve con agrado, no se le puede dejar de achacar una cierta previsibilidad
a la hora de contarnos cómo superan
los protagonistas los recelos iniciales y desarrollan la inevitable y
ya por siempre inquebrantable futura amistad. La película, como
hemos dicho, se ve con agrado pese a su previsibilidad, sin embargo,
en su contra juegan factores como la evidente inexperiencia del debutante
director que abusa de la cámara
lenta en determinados momentos y se hace notar especialmente en la escena
del jabalí,
rodada con una insólita torpeza. También se echa en
falta un desarrollo mayor de algunos de los personajes de la aldea como
el del profesor de quien deducimos que conoce el mundo exterior pero
que nos quedamos con las ganas de saber cómo ha ido a parar ahí. Resaltar
por otra parte la excelente banda sonora del japonés Joe Hisaishi,
de la que podéis encontra una reseña en este enlace. |
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De realizar producciones directas a vídeo y de
pasar a director de culto en occidente, con dos de sus últimas
películas, (One missed call y esta que comento) Takashi
Miike da la impresión de que por fin comienza a conocer el éxito
de taquilla en su propio país, Japón. Sin embargo, parece
que este éxito ha venido
acompañado también de una pérdida de calidad
de sus producciones anteriores, así como
de una pérdida de las señas de identidad de este director
a favor de una mayor comercialidad. Si One missed call era un calco mimético
de largometrajes estilo The ring y derivados, Miike nos ofrece ahora
esta infantil Zebraman donde una historia (la de un hombre aficionado
a una antigua serie de televisión estilo Bioman o Ultraman, que
acaba convertido en un héroe disfrazado de cebra) y que en otros
tiempos habría dado lugar
a los típicos desfases propios de su director, acaba en una vulgar
película
de aventuras para todos los públicos. Y no es ese el único
fallo, el guión, que en su primera mitad resulta un correcto homenaje
a estas antiguas series de superhéroes japoneses tan ridículas
vistas hoy en día, adolece de fallos de ritmo y de alguna resolución,
como digo, ciertamente infantil. Si a ello le sumamos una realización
de una pasmosa simpleza, bastante poco inspirada, obtenemos uno de los
filmes menos conseguidos de Miike sin lugar a dudas. Acompañan
al conjunto
unos pasables efectos por ordenador para animar al extraterrestre verde,
enemigo principal del protagonista, que tampoco pasarán
a la historia. Esperemos que con Izo, su siguiente película, donde
trabaja con Kitano, recupere al mejor Miike que parece perdido ultimamente. |
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Reseñas:
Felipe Múgica |
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webmaster. Created 18.09.2004. Page last updated 17.01.2006
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